Nunca me he convencido de que las muestras barrocas de violencia contra las mujeres de Brian De Palma son una forma útil de comentar la misoginia, pero de todos modos hay algo perceptivo y preciso sobre las vivisecciones femeninas en Passion, una de las obras perdidas del director que no pudimos disfrutar en España en su lanzamiento.
CRÍTICA
Incrustado en una narrativa característicamente enrevesada repleta de giros absurdos que juegan con las expectativas de la audiencia, dichos actos no son menos horripilantes de lo habitual para una película de De Palma, pero son llevados a cabo por intrigas corporativas heladas que reutilizan y manipulan los ideales feministas para beneficio personal. sin golpear así sus pestañas.
Pasión o mejor dicho Passion en su título original y el que se quedó en España, está ambientada en el mundo de la publicidad multinacional (donde el “mensaje” feminista es distorsionado y unido a fines comerciales desde el principio), y los personajes de De Palma usan las herramientas de su oficio para destruirse mutuamente. Isabelle (Noomi Rapace), una subordinada corporativa diseña una campaña publicitaria viral “revolucionaria” colocando un teléfono celular en el bolsillo trasero de los jeans de su asistente tipo sylph y creando un montaje de todas las personas (desde viejos sucios hasta nuevas madres) que miran su trasero.
El problema surge cuando Christine (Rachel McAdams), la jefa / enemiga (y Hitchcock-rubia) de Isabelle, se atribuye el mérito de su idea durante una reunión para asegurar un ascenso, asegurándole después del hecho de que “no hay puñaladas aquí, esto es un negocio”. Después del fracaso predecible de este flojo intento de hermandad, y a pesar de los intentos más matizados de Christine de congraciarse con Isabelle (comprándole zapatos de tacón rojo Sarah Palin, llenándola de alcohol, besándola y rogando por su amor), Isabelle opta por reafirmar su propiedad de la campaña subiendo el video a YouTube, donde obtiene 10 millones de visitas en cuestión de horas. El resultado es un ascenso al puesto por el cual Christine había estado compitiendo (lo que sugiere la intercambiabilidad del trabajo femenino a los ojos de los jefes masculinos). Una vez que el guantelete ha sido derribado, la campaña de guerra psicológica de Christine toma un giro malicioso y muy público, e Isabelle desciende a una neblina de dudas inducida por pastillas para dormir.
El giro onírico al final del segundo acto, en el que las preocupaciones de De Palma por doblar y dudar se disparan y socavan cualquier apariencia de realismo, está marcado por una elegante secuencia extendida de pantalla dividida y rematado con un corte de garganta (Casto para los estándares contemporáneos). Por supuesto, estas duplicaciones, ya sean estructurales, visuales o subtextuales, se hacen eco de las superficies reflectantes de los interiores de vidrio y acero pulido, en los que siempre hay al menos una pantalla brillante y cámaras de vigilancia que documentan cada momento supuestamente privado. Como la mayoría de estos espacios corporativos carecen de iluminación natural, no siempre es evidente de inmediato cuánto tiempo ha transcurrido entre las escenas, lo que lleva a un desenfoque de ensueño. (Si la película completa tiene lugar durante un período de semanas o días tampoco está claro en última instancia.)
El compromiso de De Palma con esta puesta en escena elegante y suave a la vez te deja con la sensación de que toda la película se desarrolla dentro de una Apple Store. En una escena, Isabelle, agotada emocionalmente, está enmarcada en una puerta de cristal después de que sus compañeros de trabajo se hayan ido a casa: su reflejo y su sombra sugieren una figura dominante pero solitaria. Su vida personal está en ruinas gracias a Christine, y su identidad se ha reducido a su posición en el lugar de trabajo. La mayor parte de la trama y los comentarios de Christine se conservan (palabra por palabra) del original de 2010 de Alain Corneau Love Crime , the Gallic, All About Eve. Pero De Palma imbuye su versión con un ambiente distintivo de los años ochenta, principalmente gracias a la entrega graciosa de el diálogo lacónico de los actores, el encuadre (que invoca reflexivamente parte de su propio trabajo de la era dorada) y la banda sonora de Pino Donaggio. Preciso en su estética, es un excelente trabajo de última hora que muestra, sin agobiar, cómo el ascenso de la escalera corporativa a veces puede ser un descenso a un círculo más profundo del infierno.
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