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Siempre es meritorio cerrar una larga carrera en el mundo del cine con una muy buena película, y más cuando su principal responsable tiene la respetable edad de 77 años y se encuentra débil de salud tras sufrir un par de infartos. Pero si además de todo ello resulta que su último trabajo es una obra ágil, ligera y que en estilo encaja mucho con las corrientes de la época, el mérito es aún mayor. No en vano, hablamos de Alfred Hitchcock, alguien que había empezado en el cine mudo y que había sobrevivido al salto al sonoro, al sistema de estudios del Hollywood clásico y a la modernidad de los años 60. Y que en vez de jubilarse de forma respetable a mediados de los años 70 se embarcó con una nueva película, fiel a su tipo de cine pero sin parecer anticuada o propia de alguien que ha dejado de estar en sintonía con lo que se llevaba en el cine.


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La Trama es puro Hitchcock y al mismo tiempo no tiene ese aire de película acartonada de vieja gloria que persiste en seguir haciendo cine tal y como se hacía 20 años atrás. La protagonista es Blanche, una excéntrica mujer que se hace pasar por espiritista y que recibe el encargo de una acaudalada anciana para que encuentre a Edward Shoebridge, el hijo ilegítimo de su difunta hermana, y así nombrarle principal heredero. La compinche de Blanche es su novio George, un taxista que trabaja como detective aficionado en sus ratos libres para proporcionar a Blanche información de sus clientes. Pero encontrar a Shoebridge será una tarea difícil, puesto que éste es a día de hoy un secuestrador que ha borrado cualquier rastro sobre su pasado y que trabaja también en complicidad con su pareja.
Una de las cosas que más me gustan de La Trama es que se trata de una película puramente setentera. No solo por el reparto (en el que ya entraremos) sino por la estética, por los escenarios reales que tanto nos recuerdan a otros filmes típicos de la época, por los diálogos tan ágiles y auténticos, incluso por la presencia en papeles ínfimos de rostros que reconoceremos de obras míticas de aquellos años como Nicholas Colasanto o Charles Tyner. La Trama tiene un aroma de su época, y nos da la sensación de que Hitchcock no se encerró en la seguridad de los estudios de la Universal protegido por su estatus de leyenda viviente aún en activo, sino que se molestó en dar autenticidad a su nueva película y que pudiera encajar perfectamente con el resto de films de la cartelera.
Con toda probabilidad uno de los factores esenciales que hacen que La Trama tenga una apariencia tan joven es su reparto, puesto que en vez de aprovechar su estatus para reclutar a las estrellas más taquilleras del momento, Hitchcock prefirió rodearse de rostros menos conocidos (una táctica que ya le funcionó a la perfección cuatro años atrás en Frenesí). Así pues, aunque se barajaron nombres como Jack Nicholson, Al Pacino, Faye Dunaway o Liza Minnelli, Hitchcock decidió coger la lista de candidatos, que iba de más a menos importancia, y empezar a barajar los nombres que estaban hacia el final. No quiere decir eso que todos estos actores de renombre no hubieran hecho un gran trabajo, pero le habrían dado al film un halo de gran producción que haría que ésta no fuera tan especial. En cambio con los nombres escogidos da más la sensación de que estemos viendo una película modesta de los 70, y eso contribuye a su encanto tan auténtico. Por tanto, Hitchcock no se “protegía” con grandes actores que aseguraran la viabilidad comercial de su nueva obra y se apoyaba únicamente en su habilidad tras la cámara (hay en esto, cabe reconocerlo, también un tema de manías personales: es conocido que le molestaban los elevados sueldos de las estrellas de Hollywood, que encarecían innecesariamente las películas, y más cuando el director a menudo pedía a los actores que interpretaran lo menos posible).
Los actores protagonistas escogidos fueron, en el bando de los protagonistas, Barbara Harris y Bruce Dern. La primera apenas tuvo (ni ha tenido) una gran proyección en el cine, mientras que el segundo ha sido más un secundario de carácter especialmente querido por los fans del cine americano de los 70 como un servidor (aunque a día de hoy está teniendo una justa revalorización gracias a directores como Alexander Payne y Quentin Tarantin). Dern ya había tenido un papel secundario en Marnie la Ladrona (1964) y fue el miembro del reparto que mejor se entendió con Hitchcock. Su personaje es uno de los héroes más improbables del universo hitchcockiano: alto y desgarbado, sin el atractivo de los gentlemen de sus filmes clásicos (paradójicamente es el antagonista el que recupera la elegancia de los antiguos protagonistas hitchcockianos). De hecho su labor como detective amateur no es especialmente brillante salvo algunos breves momentos de lucidez, y en realidad jamás le veremos enfrentarse a ningún antagonista, más bien huyendo de ellos.
En el otro bando tenemos a un efectivo William Devane (con el que sin embargo en cambio Hitchcock no se sintió satisfecho) y a uno de los rostros por excelencia del nuevo cine americano, Karen Black, lo más cercano a un nombre popular que podía ofrecer la película.
La idea que se nota que más le interesaba a Hitchcock de esta historia es la de los paralelismos entre ambas parejas, la forma como ambas se dedican a engañar a los demás bajo una falsa tapadera (una espiritista y un joyero) y sus caminos se entrecruzan continuamente, como queda de manifiesto en la primera escena en que George casi atropella a uno de ellos. La ironía está además en que Shoebridge intenta evitar a Blanche y George pensando que conocen su peligroso negocio, cuando en realidad lo que van a ofrecerle es una enorme fortuna y la respetabilidad que tanto ansía.
De hecho, en La Trama las líneas entre el bien y el mal quedan desdibujadas: tanto unos como otros se aprovechan de los demás de forma ilegal, simplemente Shoebridge ha sabido montárselo mejor, pero el exquisito cuidado con el que trata a sus secuestrados está muy alejado del perfil de perverso secuestrador que uno esperaría. Si nuestras simpatías van más hacia Blanche y George creo que es más por la comicidad de sus personajes y el encanto que destila su relación que por su supuesta honestidad (al fin y al cabo se dedican a engañar a ancianas crédulas e inocentes).
Hitchcock no sabía por entonces que La Trama sería su última película, y eso hace que sea una maravillosa casualidad que el que acabó siendo el último plano de toda su carrera sea tan significativo: una mirada de Blanche a cámara ofreciéndonos un guiño a los espectadores, uno de los poquísimos planos de su carrera en que un actor se dirige explícitamente a cámara. Hitchcock se despedía así con un gesto cómplice de ese público al que había estado haciendo sufrir y manipulando sus emociones durante 50 años.


5 OBRAS MAESTRAS AÚN NO DISPONIBLES EN CINEMATTE FLIX


Tras ver el documental Hitchcock/Truffaut sabemos que cinco películas quizás sean pocas para tener la idea completa de la obra  de un director. Pero, al mismo tiempo pensamos también  que con cinco obras claves podemos tener una idea bastante acertada del estilo y de la calidad fílmica de un realizador. Por eso hemos decidido empezar una sección donde recomendaremos las 5 obras claves e imprescindibles de los grandes del cine. Por supuesto, empezamos con el genio de los genios, Alfred Hitchcock.





VÉRTIGO 1958

Surrealismo, drama, belleza, suspense, miedos, fobias, amor, tensión, cine, cine y cine, son algunos de los calificativos que lleva una de las 5 mejores películas de la historia del cine. Estamos ante una obra cuya capacidad para fascinar no ha perdido vigencia y que cuyo autor calificó una vez como pura necrofilia. Kim Novak era el exquisito fantasma que James Stewart perseguía a través de un San Francisco espectral, pintado por los colores saturados una vez más por Robert Burks. La preciosista y prodigiosa puesta en escena se ve acompañada por el ánimo mortuorio de la banda sonora de Bernard Herrmann. Resultado lo que se conoce como verdadera obra maestra.

La imaginería y simbolismo visual de Hitchcock y Burks son de las mejores que ha dado el cine

Las 5 mejores películas de Alfred Hitchcock | Vértigo, La ventana indiscreta | Los pájaros | Psicosis | Atrapa un ladrón

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LA VENTANA INDISCRETA 1954

Muy cerca de Vértigo, La ventana indiscreta disputa el trono a la primera como la gran obra de su autor. El voyeurismo como tema principal. Esta adaptación de un relato breve de Cornell Woolrich, “La ventana indiscreta” supuso un quebradero de cabeza al menos para la parte de producción, que se vio obligada a tirar el suelo del estudio para poder optimizar el rodaje de los distintos niveles de apartamentos a uno y otro lado del patio. Como resultado tenemos un film anclado en un espacio único, donde Hitchcock se las arregla para crear uno de los mayores mundos vividos en una pantalla de cine. Robert Burks vuelve a demostrar que fue clave para la imaginaría visual del gran realizador inglés.

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LOS PÁJAROS 1963

Estamos ante una de las mayores dobles lecturas del cine de Hitchcock. Con la porcelana como elemento clave para entender esa segunda lectura, Hitchcock logra colar una temática prohibida en un film sobre pájaros asesinos, saltándose así de forma magistral la puñetera censura. A partir del magnífico relato de la escritora Daphne Du Maurier, Hitchcock hizo de “Los pájaros” una monster movie en la que una vez más convertía lo inofensivo y rutinario —las aves del título— en la materia prima del horror más irracional. Su secuencia final donde imperan el silencio y los pájaros es ya uno de los momentos más terroríficos del cine. De nuevo Robert Burks en la fotografía roza la perfección.

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PSICOSIS 1960

Hitchcock era puro delirio e inventiva visual, por primera en su obra podemos apreciar algún rastro de otro colega contemporáneo. Welles se deja ver en algunos planteamientos de Psycho, aún así, la obra sigue siendo igual de singular y personal que las demás hasta tal punto, que este film queda en la historia como uno de los referentes cinematográficos del paso del clasicismo a la modernidad. Quizás se trata del filme más popular de Hitchcock y también uno de los que más mitos ha generado a su alrededor. En particular la célebre secuencia de la ducha.

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ATRAPA UN LADRON 1955

Para finalizar dejamos un film polémico por estar en esta lista. 'Atrapa un ladrón' nunca ha figurada entre las grandes obras del director, pero personalmente creemos que el tiempo terminará otorgando a esta película el nivel y trato que se merece. Este film le dio la oportunidad a Hitchcock de rodar en exteriores de Francia una trama que entroncaba con la tradición de Arsenio Lupin y otros ladrones de guante blanco, con Cary Grant y Grace Kelly como estrellas y una vez más con Robert Burks en la fotografía, nos encontramos ante una de las obras más bellas visualmente del tandem Hitchcock/Burks. A ellos les acompañan un Cary Grant y una Grace Kelly en estado de gracia. Resultado, una pequeña joya del cine a rescatar. Y si como decía el maestro sus películas nacen de la imagen y el cine es una platea llena de gente, este film cumple perfectamente esos dos requisitos.

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