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Las películas más bonitas y emocionantes de 2017 (hasta julio) | EL MEJOR CINE DE 2017 | "LA CIUDAD PERDIDA DE LAS ESTRELLAS"


Curiosamente, "La Ciudad", ya sea perdida en Z o en Estrellas, es la marca de lo mejor del año hasta la fecha.


Estamos a mitad de año y es hora de ir haciendo un recopilatorio de lo mejor del año hasta la fecha. Por eso, hoy vamos a listar los 5 mejores filmes del año, esos que nos emocionan, que nos hacen reflexionar, estremecer o divertir de una forma única en nuestra butaca. Esas películas especiales que se convierten en clásico de su género de forma inmediata. Esas películas que se les nota un cuidado especial, un algo, una impronta que las convierte en únicas o al menos especiales. Sin más dilación pasamos a presentar la lista...


Las mejores películas de 2017



- LA GUERRA DEL PLANETA DE LOS SIMIOS


Era el año 2011 cuando llegaba un nuevo remake (finalmente precuela) del famoso clásico 'El planeta de los simios'. Tras la extraña y fracasada versión anterior que corrió a manos de Tim Burton (visualmente magistral) nadie esperaba nada de este nuevo remake. Finalmente y muy lentamente, la película fue ganando enteros, buenas críticas y el favor del público. Aquel pequeño simios llamado Cesar iba a emprender una aventura épica que quizás esté a punto de acabar y de que manera...

Tres años después, y tras la citada 'El origen del planeta de los simios', nos llegaba 'El amanecer del planeta de los simios'. Si la primera obra corrió a cargo de Robert Wyatt, está segundo lo hacía  a manos de Matt Reeves y la película no sólo fue una grata apuesta como la primera, sino que sencillamente la superó, convirtiéndose así ya en una de las trilogías más interesantes de la década.
Ahora llega la tercera entrega llamada, 'La guerra del planeta de los simios' y simplememente podemos decir que es sencillamente magistral. (cuanta palabra acabada en ente)


La crítica

Puntuación: ****
Visual: ****
Narrativa: ****


Lo primero que hay que decir es que este año no está siendo nada malo en el terreno comercial. Primero fue Kong Skull Island quién nos entusiasmó. Después sería Wonder Woman quien dejase un buen sabor de boca y ahora, son los simios de Matt Reeves quien nos deja una pequeña obra maestra del género que no os podéis perder.


Empezamos dando una alegría al público más paciente y profundo. Ese que como en otras épocas, quiere materia narrativa y rascar algo más sobre la corteza del espectáculo visual. Y lo tiene. Así pues, el existencialismo y la introspección se abrazan a la grandeza del séptimo arte alimentando al cinéfilo que llevamos dentro y retrotrayéndonos a épocas pasadas. A ese cine de los 80 e incluso al de otras épocas anteriores donde las escenas de acción empezaron a ser un recurso más para las grandes historias en vez, de ser la base de unas producciones donde la historia es un mero pretexto para ir encadenando secuencias de acción a ver cual más llamativa.
Esto hace que la película se vea como un conjunto narrativo, una obra orgánica que no funciona a base de golpes sino de forma lineal y uniforme desde su inicio a su fin.

Pero la grandeza, es que el largometraje sabe cual es su función y por lo tanto, no se olvida de ese otro público, ese que va a a las salas de cine a disfrutar de un megaespectaculo visual y sonoro donde vibrar con la magia del cine comercial. Sus impresionantes efectos especiales y las maravillosas set pieces que bañan el relato con unas vibrantes y milimetradas secuencias de acción como contrapunto a los momentos más reflexivos, se elevan como la excusa perfecta para disfrutar de un pasatiempo de primera categoría sin necesidad de explorar las muchas capas que oculta su envoltorio.
Así, el filme se presenta como una confrontación salvaje entre dos formas distintas de entender el futuro. El duelo de humanos y simios encaja perfectamente con ese duelo entre lo íntimo y lo atronador, lo sensible y lo vehemente de su historia y su puesta en escena. Como dijimos en su día en este artículo, el sello de autor y la marca del blockbuster han pasado en algunas ocasiones a darse la mano.

De este modo, tenemos un blockbuster perfecto que sabe navegar entre dos aguas de forma magistral. Tenemos una obra de dualidades tanto visuales como narrativas. Una obra que parte abrazando el western clásico donde la venganza de aquellas obras dará paso a un espectáculo bélico sin igual, y no olvidemos que la película lleva el termino 'Guerra' en su título, lo que desembocará en eso, un enorme filme bélico que apostilla un 'Origen' muy interesante, que tras un 'Amanecer' formidable dará paso a esa gran 'Guerra' final que deja a 'El planeta de los simios' de 1968, en un lugar perfecto para rememorar lo que fueron los blockbusters en otro tiempo Viva la ciencia ficción, el verano y el cine de acción.


- KONG ISLA DE LA CALAVERA

Puntuación crítica: ****
Visual: *****
Narrativa: ***


Altos y bajos comandaban las sensaciones transmitidas por aquella megalómana obra dirigida por Peter Jackson y que servía de reboot al clásico King Kong del año 33. El reboot se permitía ser fiel a la obra al menos en época y ambientación ya que recreaba perfectamente aquel Nueva York del crack bursátil que tanta pobreza dejó. El resto fue elevar la idea original a la opulencia fílmica de las grandes producciones del presente.
12 años después de la obra de Jackson se vuelve a coger la idea del gran Kong pero adaptada de una forma más libre y con  una idea en mente. Homenajear visualmente a los grandes películas del cine bélico.

Vittorio Storaro es uno de los grandes clásicos de la cinematográfica. Suyo son los trabajos de fotografía de grandes obras como El último emperador, pero, quizás sea Apocalypse Now uno de sus trabajos más completos, complejos y recordados. El color como fuente de  narrativa era el arma principal para crear ese ambiente turbado de opresión y ensoñación que puede desatar el terror de una guerra. Ahora con esa idea en mente, el fotógrafo Larry Fong y el director Jordan Vogt-Roberts, quieren volver a recrear ese estado de ensoñación bélico y salvaje a través de su film Kong, la isla de la Calavera, la cual basa parte de idea en su envoltorio artístico. 

En cuanto al nivel puramente visual, Kong: La isla Calavera es un placer. Evita muchos de los errores comunes que se cometen en una producción a gran escala, alejándose de cortes rápidos y movimientos de cámara torpes, en favor de una composición y ritmo más elegantes. Vogt-Roberts y su equipo técnico han creado un Kong mejor formado. Parece menos realista pero a la vez es más real. Lo han hecho más monstruo y menos animal, dotándolo de más sentido y convirtiéndolo en una deidad ancestral o un protector de la isla; menos rey y más Dios”

Además, el guión, de Dan Gilroy, John Gatins, Derek Connelly y Max Borenstein, es relativamente sólido para que no se tambalee tanto como podría en las escenas en las que aparecen las criaturas para causar estragos. 
No le falta ni diversión ni refinamiento, y tiene la pulcritud de una de esas comidas fast-food compartimentadas. El director Jordan Vogt-Roberts mueve las piezas de A a Z con un ritmo hábil, pero los personajes no dejan de ser esas simples piezas. A pesar de todo, ofrece unas cuantas escenas de acción memorables: un enfrentamiento lleno de suspense en un campo nublado lleno de huesos, y el monstruo gigante en acción, más palpable y peligroso que cualquier escaramuza robotera de la saga Transformers”.

Como hemos dejado ver, el film homenajea ideas visuales como las conseguidas por Vittorio Storaro junto a Coppola, pero hay mucho más de cinefilia pura. Vemos a la citada Apocalypse Now junto a Platoon, plantándolas en Parque Jurásico para plasmar una expedición militar ambientada en 1971 en Skull Island, el remoto hogar tropical de King Kong. Pero, también nos podemos remitir a las criaturas de Black Lagoon o Tarantula con los humanos relegados a un segundo plano por efectos impresionantes (hacer mención especial también al diseñador de las criaturas Carlos Huante).
Además, esta adaptación tampoco puede escapar de la sombra de la mágica King Kong de 1933.

Aún así, no todo es oro lo que reluce y el empaque final acaba siendo débil al abandonar el desarrollo de los personajes y los diálogos en favor del espectáculo visual. De este modo sobra un poco de humor y fatal y poco de seriedad en el planteamiento, pero, eso quizás hubiese mermado sus expectativas en taquilla.
En definitiva, un gran entretenimiento visual, que no alcanza el sumun debido a las habituales trabas de las grandes productoras. Obra pensada para entretener, y eso hace, entretiene con mayúsculas.


- DUNKERQUE



Todos tenemos claro que la segunda guerra mundial aún sigue creando mucha espectácion, pero aún tenemos más claro que Christopher Nolan multiplica por 4 esa espectácion. Así que una película que une el bélico de la gran guerra con el guru trend topic del cine actual, sólo puede significar una cosa. Éxito asegurado. 

Ahora bien ¿va ese éxito acompañado de calidad cinematográfica? Ya podemos afirmar que Sí.


La crítica


Miles de extras apiñados en una estrecha franja de playa. Aviones de combate reacondicionados gritando a través del cielo en perfecta formación. Tres perspectivas diferentes. para recoger cada detalle al milímetro. Esto fue el rodaje de Dunkerque, cine monumental de la mano del director Christopher Nolan que maneja todo lo que toca con absoluta maestría como demuestra en esta película de guerra no convencional y totalmente sorprendente.


Se ha hablando mucho de la evacuación de los soldados aliados varados en las playas de Francia durante la Segunda Guerra Mundial. Cerca de 400.000 soldados fueron separados del ejército alemán que les rodeaba en sólo unos días. Quizás una evacuación pueda sonar poco convencional para una película de guerra, podríamos decir que incluso poco heroico, pero si lo piensas bien ¿Qué es heroico o convencional en una guerra?. Quizás sencillamente sobrevivir.

A diferencia de otras películas WW2, como Salvar al soldado Ryan o los más reciente obra de Mel Gibson, Dunkerque no necesita de sangre y cuerpos mutilados para reflejar el horror de la guerra. Dunkerque como todo cine inteligente hace uso del terror de una forma más sutil y fantasmagórica. El terror en la obra de Nolan no se ve, se siente en todo momento ya que está ahí: en cada rincón, en cada ruido, en cada sombra y cada rostro de hombre que pasa por escena.

Y para sentir todo eso, Nolan solo ha necesitado de 106 minutos de metraje. 106 minutos aprovechados de forma magistral en los que nada sobra y nada parece faltar. Cada fotograma sirve para contar algo de la trama, pero, esa trama mostrada se ve aumentada gracias a todos los acompañamientos que posee. El sonido es un ente narrativo más (como siempre debería ser y no lo es). Lo banda sonora de Zimmer parece hablar más que sonar y la fotografía y todo lo que rodea a las imágenes es pura información y subrayado de lo que nos quiere contar. Hoy día las salas están llenas de películas de 140 minutos que parecen absoluto vacío narrativo. Dunkerque consigue todo lo contrario. Contar en cientoseis minutos una historia que da la sensación de ser mucho mayor del tiempo que ocupa en pantalla.
Y como añadidura a este aspecto, decir que Nolan se permite el lujo de introducir quietud meditativa. Una quietud eso sí, que no deja de poseer esa tensión constante que ofrece la obra. Un desasosiego que pasa directamente de los personajes al espectador.

De este modo, Dunkerque navega con destreza entre lo grande y lo pequeño, entre el estruendoso espectáculo y los detalles. Y muestra de forma perfecta ese purgatorio para los hombres varados allí. Un purgatorio gris pizarra fuera de tiempo y espacio donde el tiempo marca de forma perfecta ese espacio definido por tierra, mar y aire que sirven para mostrar algunas de las escenas más potentes vistas en lo que va de año.


Puntuación: *****
Visual: ****
Narrativo: *****



- LA LA LAND

Puntuación: *****
Visual: *****
Narrativo: ****


Podemos llamarla ganadora del Oscar 2017 porque sencillamente es o más bien iba a ser la ganadora de este año, es más, incluso algunos segundos lo fue hasta que los Oscar nos dejaron el mayor error de su historia. Una obra maestra y una apología al cine, un film que toca la fibra y los gustos de la academia de Hollywood y una obra maestra de un niño de 31 años llamado Damien Chazelle que hará justicia a esos otros niños precoces creadores de obras maestras como por ejemplo lo fue Orson Welles en su día con su Ciudadano Kane. A lo mejor La la land no llega a la perfección de este monstruo del cine, pero, desde luego es lo más próximo que podemos encontrar en estos días.

Los Ángeles, la ciudad de los sueños rotos, los atascos y la contaminación, florece en La ciudad de las estrellas: La La Land como un lugar donde las frustraciones crean arte y donde la realidad se vuelve bella con estallidos de color y entrañables números musicales. 

Damien Chazelle es el nuevo talento de Hollywood. Como hemos dicho o insinuado en la cabecera, es el Orson Welles del siglo XXI. Chazelle sorprendió a todo el mundo con Whiplash, esa seca, rotunda y vigorosa obra musical que sirve de contrapunto a su nueva obra, otro trabajo musical situado en las antípodas y que nos dice que al igual que hizo Welles con Ciudadano Kane y El 4° mandamiento (enfrentando montaje vs plano secuencia), Chazelle enfrenta belleza, color y ternura vs el sudor y la aspereza de su opera prima, mostrando así dos gran trabajos que demuestran un dominio total del autor en todas las facetas y vertientes del cine pero siempre bajo su propio estilo personal.
Pocos noveles han demostrado en sus inicios tener un dominio y perfección tan grande de los entresijos del cine y menos crear una obra maestra del cine en sus inicios.
La La Land es una maravillosa carta de amor al séptimo arte y una oda a los soñadores que se rebelan contra la realidad por una pasión.


La La Land es lo dicho justo arriba, pero para llegar a eso nos lo muestra a través de una gran historia de amor encarnada por dos jóvenes, Mia ( Emma Stone ), una aspirante a actriz que trabaja en la cafetería de unos estudios cinematográficos, y Sebastian ( Ryan Gosling ), un músico de jazz en horas bajas. A ambos les unen sus sueños por triunfar en un mundo en el que cada vez es más difícil sobresalir; ella, asistiendo a audiciones donde es una más en el montón, y él, desvelándose por su empeño de abrir un local dedicado a una música que se muere. Su romance, desde el inicio de su amor hasta la madurez, es un hermoso y -paradójicamente- realista retrato de la evolución de sus aspiraciones mientras el mundo real les cierra la puerta una y otra vez. Como reclama toda obra maestra, el film busca ir más allá de sus dos protagonistas para retratar una radiografía de toda una generación, una cada vez más ausente, extinta y suplantada por un ente unido bajo la estructura alienada y matemática de un programa informático llamado red social y un aparato electrónico llamado paradojicamente smartphone.

En La la land, se retrata la maquinaria del Hollywood clásico, curiosamente una maquinaria creada por artistas, un conjunto de visionarios capaces de crear belleza e inteligencia en cada una de sus propuestas. Así que la mejor manera de homenajear eso era dándole de su propia medicina. Así vemos que en La la land hay arte en cada fotograma, hay una pasión por la historia y la obra que se refleja en cada original movimiento de cámara y en cada detalle, embellecido con el uso de colores brillantes, luces y atardeceres y, como buen musical con aires clásicos, con números coreográficos imperfectos pero repletos de encanto con las canciones de Justin Hurwitz.
Si algo caracterizó al Hollywood clásico fue la presencia de sus estrellas, y están se ven retratadas a la perfección en una Emma Stone que lo borda en La La Land con el papel de su vida gracias a una interpretación perfectamente engranada por la que uno se pregunta si la película está hecha para ella o es que ella estaba destinada a esta película.  A eso se une su reconocida química con un no menos genial Ryan Gosling, que aprendió a tocar el piano para la película y que hace también un trabajo soberbio para  crear junto a la Stone, unos momentos compartidos creíbles, mágicos y a la vez tremendamente nostálgicos.


Hay pocas películas en las que todas las piezas encajen. La La Land, tan virtuosa y original desde el punto de vista técnico como sensible y reflexiva con su mensaje, es una rara avis que se clava en el corazón y, de forma tremendamente sincera, nos hace cuestionarnos quiénes somos y lo que deseamos. Una de esas contadas películas que nos hacen un poco más felices, un poco más soñadores y que nos piden recuperar la mirada ingenua ante los retos de una vida difícil, pero muy bella. Es sencillamente una obra maestra del cine que se convierte de forma automática en un clásico moderno que el cine ya nunca podrá olvidar.

Homenajeando el cine


Si ya hemos dicho que Chazelle es el nuevo Welles, también hay que decir que todos tuvieron referentes. Y si en la obra del autor de Sed de Mal se notaba la influencia de obras de Eisenstein, Lang o Murnau, en la de Chazelle vemos también alegatos directos a grandes obras del cine. Así, 'Los paraguas de Chebourgo' ('Les parapluies de Chebourg', Jacques Demy, 1964) es inevitable no verlo en 'La La Land' y en su amargura con detalles como la división de actos, "La partida", "La ausencia" y "El regreso" en la película de Jacques Demy y las estaciones del año en la de Chazelle. 
Por supuesto, como todo musical pero en este más, vemos muchas ideas del 'Cantando bajo la lluvia' de Stanley Donen y Gene Kelly. Los irreales decorados para los números musicales más fantasiosos o los colores vivos que destacan en toda la película son herencia de esta otra obra maestra del cine.

'Rebelde sin causa' de Nicholas Ray es la película que van a ver Mia y Sebastian en su primera cita oficial en el cine Rialto de Hollywood y la secuencia de la película de Nicholas Ray que vemos es la del planetario, el famoso Griffith Observatory de Los Angeles, donde transcurre, más adelante, una de las escenas más románticas de 'La La Land'.
'Casablanca' de Michael Curtís es otra de las cintas que se citan textualmente en 'La La Land' y además en un momento concreto Mia y Sebastian pasan por debajo de la venta donde se rodó la escena en la que se asoman los emblemáticos Rick Blane e Ilsa Laszlo.

Ademas, en un momento de 'La La Land' hay un pequeño guiño a 'El balón rojo' ('Le ballon rouge', 1956), un mediometraje dirigido por Albert Lamorisse que, en su momento, ganó la Palma de Oro al Mejor Corto en el Festival de Cannes y que posteriormente vimos homenajeada en El vuelo del Globo rojo.
'Noches en la ciudad' de Bob Fonseca también comparte momentos como vemos en la foto inferior. 


Otras curiosidades son como en la rueda de prensa del Festival de Venecia, en la que se presentó 'La La Land', Damien Chazelle mencionó que la increíble secuencia inicial de su película se había inspirado en un clásico entre los clásicos: '8 1/2' de Federico Fellini (1963). Concretamente en su primera escena: Guido -el gran Marcello Mastroianni- sueña que está atrapado en un terrible atasco. Y si véis 'La La Land' descubriréis el homenaje de Chazelle al gran maestro italiano.
Stanley Donen aparece de nuevo con Un americano en París o en 'Una cara con ángel' ('Funny Face', 1957) donde podemos ver clonada la secuencia donde durante su estancia en París para trabajar como modelo, Audrey Hepburn posa delante del arco de los Jardines de Tullerías con un montón de globos de colores.

Por supuesto, también vemos en cada uno de los dúos que se bailan en 'La La Land' algo de 'Sombrero de Copa' ('Top Hat'1935), una de las películas más emblemáticas de Fred Astaire y Ginger Rogers y claro está como no podía faltar, algo de autohomenaje o más bien en este caso, detalles de autoría donde se ven de nuevo temas que parecen interesar de forma dominante al joven director. La pasión por lo que se hace, el éxito y el fracaso, los sacrificios que hay que hacer por cumplir los sueños y el jazz, son algunos de los ecos narrativos y temáticos heredados de Whiplash.


THE END



Z. LA CIUDAD PERDIDA


James Gray abandona su ciudad habitual para adentrarse en lo más profundo del Amazonas. Tras cinco películas en Nueva York, ahora el genial director decide ir en busca de la ciudad perdida de Z...

Puntuación: *****
Visual: *****
Narrativa: *****


En 1925, Percy Fawcett, explorador y militar de renombre, desapareció durante una exploración en las profundidades de los bosques amazónicos. Fawcett nunca fue visto u oído oficialmente de nuevo, dejando a muchos con la duda de si el objetivo de su expedición - para encontrar una ciudad histórica que él se refirió como "Z" - era acertada o no. Es ese tipo de historia real, que parece falsa o fabulada y que habla perfectamente hasta qué punto alguien está dispuesto a seguir sus metas.

La crítica review 


Fawcett es el tema y el personaje principal de la nueva película de James Gray. La película, basada en el libro del mismo nombre de David Grann, cuenta con el actor Charlie Hunnam como Fawcett y lo sigue a lo largo de su temprana carrera en el ejército, sus diversas expediciones al Amazonas, su tiempo sirviendo y mandando en el ejército británico durante la Primera Guerra Mundial, y por supuesto, en su expedición final a las junglas de Sudamérica.
La película consigue mostrar gran parte de lo narrado en el libro y lo hace de maravilla abarcando gran parte de lo relatado pero siempre con máxima intensidad y detalle, algo siempre difícil en este tipo de adaptaciones. Las partes elegidas y su equilibrio en pantalla, sirven de maravilla para reflejar el libro en su totalidad sin perder detalles de la personalidad del personaje y de muchos de los que les rodean. Eso sí, para conseguirlo, el filme ha tenido que pagar un pequeño peaje en forma de 144 minutos pero que ya avisamos no cansan en ningún momento. 

Además de Hunnam, la película cuenta como protagonista con Sienna Miller como la esposa de Fawcett, Nina, una mujer independiente, de gran apoyo y muy por delante de su tiempo. En lo que podría ser su mejor actuación hasta la fecha, Miller hace que Nina se sienta como la compañera perfecta para Percy, nunca ridiculizarlo o cuestionarlo en sus deseos, ni siquiera en los más disparatados. "El alcance de un hombre siempre debe exceder su alcance", dice en un momento de la película al hablar de los esfuerzos de Percy, sólo para recordarnos que los hombres más exitosos suelen ser capaces de crecer, gracias al apoyo de una igual de capaz compañera de viaje (esta es una obra sobre un hombre pero serviría de reflejo en el caso de serlo sobre una mujer) 
El tercero en discordia es Robert Pattinson, quien de nuevo impacta a lo largo de la película como Henry Costin, compañero de viaje de Fawcett en su primer viaje que desarrolla una amistad con Percy que durará durante el resto de sus vidas. Pattinson ha estado trabajando constantemente para demostrar su talento en el mundo indie desde hace años y aquí sólo acentúa más ese punto.
Sim embargo ya dejamos claro que a pesar de las grandes actuaciones de Miller y Pattinson, las estrellas de la película son Hunnam y Grey. El director, siempre en estado de gracia, logra sacar la profundidad, tranquilidad y seriedad que pocos otros cineastas han podido sacar del actor. No hay duda de que Percy Fawcett es el desempeño más impresionante y satisfactorio de la carrera de Hunnam hasta ahora. Combinando todos sus mejores rasgos en un solo papel.


La producción es sencillamente magistral. La obra empezó su andadura en el año 2008, y 9 años después podemos verla en pantalla siendo así un eco fílmico de lo que se cuenta y viendo al propio James Gray como un reflejo real de Percy Fawcett, ambos capaces de conseguir lo imposible para llevar a meta sus sueños. Siendo "Z" una ciudad perdida para Fawcett en la película, y la titánica producción final que es el film, para el cineasta en la vida real. 
Era un reto conseguir que La ciudad perdida de Z se sintiese tan real y para ello lo primero con lo que tuvo que lidiar su director fue el formato elegido para la grabación. Grey siempre ha mantenido que lo digital refleja a la perfección el presente mientras que el celuloide, es quien mejor refleja el pasado y por eso, al final consiguió que la película haya sido rodada totalmente en celuloide algo que se nota en cada de unos planos y secuencias. Gracias a los diseñadores de vestuario y la impresionante obra del director de fotografía Darius Khondji, Gray llena la película con un diluvio constante de imágenes impresionantes y recreaciones de época que al igual que su obra anterior El Inmigrante, consigue una palpable, rica y calidad mirada que te transporta a una época diferente. Todo se siente tan real, especialmente los ambientes amazónicos, que da la sensación de poder extender la mano y sentir los árboles alrededor de Hunnam y sus compañeros mientras degustas la obra en pantalla grande.

En lo negativo, decir que quizás los fans del trabajo de Gray noten un trabajo no tan magistral en líneas globales como sí lo ha sido algunas de sus anteriores anteriores. A veces las motivaciones de los personajes terciarios pueden sentirse inorgánicos y el ritmo un poco aletargado en su parte central, pero creemos que es algo normal debido a la naturaleza de la obra y también a las dificultades del proyecto. Y no olvidemos que es la primera vez que el director abandona su Nueva York/Jersey natal para adentrarse en territorio salvaje y inexplorado para él.

Pero eso no empaña una obra genial donde Gray impregna la película con una calidad onírica que es tan inesperada como beneficiosa. Hace que las transiciones entre los períodos de la vida de Fawcett se deslizen suavemente entre sí; y consigue contar una historia familiar e intima (la base de su obra) mediante una obra totalmente masiva en todos sus aspectos.
Asi, La ciudad perdida de Z marca otra adición impresionante a la creciente filmografía del director James Gray. Con una genial actuación de Charlie Hunnam y algunas imágenes visuales verdaderamente impresionantes que la convierten en una de las películas de este año que no te puedes perder.



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